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¿Qué historia oculta el autor?

La flor del Mal: Alegoría del triunfo de Venus, de Bronzino

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Hoy dedico la entrada del blog a un nuevo descubrimiento, una historia del arte llena de perversión, enfermedad y traición. Esta vez viajamos a 1503, en la Toscana, momento y lugar en el que Agnolo Bronzino se decidió a crear su obra maestra: Alegoría del triunfo de Venus.

¿Y qué tiene de especial esta obra tan cursi?” me preguntaba yo antes de mirarla a fondo. Pues seguid leyendo, que os llevaréis una sorpresa.

Alegoría del triunfo de Venus

Bronzino trabajó como pintor en la corte de Cosme I de Medici, un Gran Duque que era un crack. Llegó al poder con 17 años y se las arregló para controlar toda la Toscana y Siena, ideó los Jardines de Bóboli y apoyó la creación de la Universidad, consiguió imponentes avances en economía, arquitectura y arte… Además, plantó la semilla de la que hoy es la galería de arte más importante a nivel mundial. A la flor y nata de su tiempo se le caía la baba con Cosme, y Bronzino no iba a ser una excepción. Así que allí que se fue nuestro pintor para darle la brasa al muchacho (y conseguir su sueldecillo).

Pero volvamos al tema. Alegoría del triunfo de Venus (también conocida como Alegoría de la Pasión) es una obra maestra de la variedad y la intriga: en ella nada se entiende a simple vista. Hombres y mujeres de todas las edades y procedencias se mezclan haciendo contorsionismo como si fueran a rodar una peli porno. Y esto provoca que nuestra mirada se mueva en zigzag por el cuadro, sin entender muy bien qué pasa. ¡PUES MANOS A LA OBRA!

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El amor: la semilla del mal

El elemento clave de esta obra es el poder destructivo del amor. “¿LO QUÉ?” os preguntaréis, patidifusos y asombrados. Pues así es. Si no os lo creéis, os lo voy a explicar.manzana-dorada-venus

En el centro del cuadro aparece Venus, desnuda y con la manzana dorada de la discordia en la mano. La misma manzana de oro que desencadena la guerra de Troya cuando Paris se la da a Helena. ¿Y qué más sabemos de las manzanas? Que en la cultura occidental representan el Pecado y la Tentación.

¿Y quién se besa tan sensualmente con esta señora? Pues ni más ni menos que su hijo, Cupido. Aquí el pintor la lía parda y convierte esta cursilada en un cuadro de incesto. Y encima le está haciendo la típica broma del Moc-Moc. ¡Para echarse las manos a la cabeza!

Mientras el niño alado se entretiene con esto, Venus aprovecha para robarle la flecha y dejarlo indefenso, con aires de triunfo. Una flecha que mata de verdad: Medio siglo antes de que Bronzino pintara esta obra, la sífilis había hecho su eclosión en Europa con efectos devastadores. Pronto los médicos se percataron de que se transmitía sexualmente, es decir, rindiendo culto a Venus. Y de ella se derivó el nombre de “enfermedad venérea”. El pintor lo tenía todo calculao.

En este abrazo erótico, Cupido casi aplasta con el pie a la paloma de la paz. ¿Está sugiriendo que es la pasión amorosa la que empieza las guerras y las disputas? ¿Qué nos quieres decir, Bronzino? ¿QUÉ?

Belleza, virtud y engaño

ninos-amor-venus-enganoTras esta pareja lujuriosa aparece un niño a punto de tirarles rosas para celebrarlo-aunque a mi me parece que van con fuerza y mala baba-. Tan contento está, que no se da cuenta de que se ha pinchado el pie con una espina.

Y tras él, una preciosa joven sostiene un panal de miel con gesto dulce. De nuevo simboliza el engaño.

mascarasY es que aunque va peinada y vestida como una encantadora dama noble, con su apetitoso panal dispuesto a ser regalado, esconde su aguijón con la otra mano. Si continuamos mirando y nos fijamos en su cuerpo, vemos que sus ropas se transforman en el cuerpo de una bestia venenosa semejante a un reptil. El engaño se representa en el arte mediante las máscaras, que también aparecen bajo el niño.

La maldad usa muchas máscaras, la más peligrosa es la máscara de la virtud Decían en Sleepy Hollow. Pues eso pensaba también Bronzino.

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Locura y enfermedad: la sífilis

arte-locos-historia-arte-blog-alegoria-triunfo-venus-mil-historias-arte-blogDesde la Edad Media hasta el siglo XVII, los bufones de las cortes eran los locos, enajenados o discapacitados. La realeza y la aristocracia de toda Europa, en un alarde de crueldad bien vista por la sociedad, se divertían a su costa. La locura de Bronzino aparece en forma de un joven sonriente con cascabeles en los tobillos (el niño que hemos visto antes celebrando el beso erótico entre Venus y Cupido). ¿Qué representa? Este niño va corriendo para celebrar el amor, sin darse cuenta de que se pincha a cada paso -o quizá es que no le importan las consecuencias-. Representa el Placer Loco, que lleva a la perdición.

Pero no sólo eso. A la izquierda del cuadro aparece un hombre que se lleva las manos a la cabeza mientras grita, atormentado por una mente enferma. Este hombre se identifica clásicamente con los celos y la irracionalidad.

Pero en 1986, Conway llamó la atención sobre la presencia de signos de sífilis secundaria en este personaje. Su cabeza se retuerce de dolor, y la estruja entre sus dedos con nódulos muy visibles. Además ha perdido una uña por la enfermedad. La pérdida de dientes también puede ser relacionada al saturnismo o intoxicación por mercurio… muy utilizado en la época para tratar los casos de sífilis.
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El Tiempo y el Olvido

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Al fondo a la derecha, un anciano representa a Chronos, dios del Tiempo. Aparece con un reloj de arena a su espalda, y está descorriendo la cortina para desvelar lo que ocurre en el cuadro. En resumen, que ojito con lo que hacemos porque con el tiempo todo se sabe. El reloj de arena representa el fluir del tiempo, inevitable y guiándonos hacia el fin de nuestras vidas.

La última figura, en la esquina superior izquierda, es Oblivion (el Olvido).  Este personaje se encuentra tras el telón, con gesto entre sorprendido y afligido se pelea con el tiempo. Al olvido le falta la parte superior de su cabeza… que según algunos eruditos coincide con la parte del cráneo donde se encuentra la memoria. Posiblemente el personaje quiere esconder la verdad, sin embargo, el Padre Tiempo lo impide, «haciendo alusión a los retardados efectos de la sífilis».

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Y a vosotros, ¿os parece ahora menos cursi Alegoría del triunfo de Venus?
¿Estáis de acuerdo con el mensaje de Bronzino en este cuadro?
¿Conocíais la obra?

10 cosas que tienes que saber sobre Van Gogh

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1. Vincent Van Gogh nació el 30 de Marzo de 1853 en Holanda. Le llamaron así por su abuelo y por su hermano… que murió todavía siendo un bebé un año antes de que Van Gogh naciera.

van-gogh2. Van Gogh tenía 27 años cuando pintó su primer cuadro.

curiosidades van gogh3. Cuando Van Gogh empezó a pintar, usaba campesinos como modelo. Después pintaría flores, paisajes y a sí mismo… ante todo porque era demasiado pobre como para pagar a nadie que posara para él.

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4. Van Gogh sufría de epilepsia del lóbulo temporal, una enfermedad neurológica crónica caracterizada por convulsiones recurrentes y sin causa aparente. 

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5. En un corto periodo de 10 años, Van Gogh pintó aproximadamente 900 cuadros.

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6. Durante uno de sus brotes, Van Gogh atacó a su amigo Paul Gauguin con una navaja. Esto dio como resultado que Vincent se cortara su propia oreja -pero no entera, como todos piensan.

vincent-van-gogh-77. Van Gogh creó su obra más famosa, “La noche estrellada”, cuando estaba ingresado en una residencia en Saint-Rémy-de-Provence, Francia. 

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8. Van Gogh representaba visualmente las ‘turbulencias’ en sus cuadros durante un momento particularmente caótico de su vida. çE un principio matemático increíblemente complejo y aún sin resolver. 

vincent-van-gogh-99. Vincent se pegó un tiro en un campo de trigo de Auvers, Francia, pero no murió hasta dos días más tarde -a la edad de 37 años-. Su hermano Theo, a su lado cuando murió, dijo que sus últimas palabras fueron “La tristesse durera toujours“, que significa “la tristeza durará para siempre“.

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10. Vincent Van Gogh sólo vendió un cuadro durante toda su vida. Se convirtió en un pintor famoso después de su muerte.

Sacado de:

¡Os aconsejo que lo veáis entero! 🙂

Caras de espanto: los bustos grotescos de Messerschmidt

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Dejamos de lado a los pintores famosos y vamos a hablar de escultura. No de escultura romana o las bellas tallas del mundo clásico, no. Hay otras más interesantes aunque remotamente menos conocidas. Y es que el artista de hoy es Franz Xaver Messerschmidt, al que cariñosamente llamaremos Franz para que no me de una embolia cada vez que me toque escribir su nombre. Viendo una escultura suya sin conocer su vida creemos estar ante una muestra de arte contemporáneo, pero nada más lejos de la realidad.

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 Franz nació en 1736, en Alemania, y es un ejemplo de a dónde puede llegar la locura y la creencia en lo sobrenatural en la Historia del Arte. Pero no sólo eso, sino que también ilustra a la perfección el talento y la imaginación. Aunque no es un creador especialmente popular ni conocido, fue un artista torturado y adelantado a su época.

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Con sus esculturas iniciales se ganó a la aristocracia. Esta es una de ellas, para que veáis las cosas tan bonitas que sabía hacer el joven Franz.

Hijo de una familia de artesanos, el joven Franz decidió hacer caso a sus tíos y salió de casa de sus padres para formarse en el Munich del siglo XVIII. Pronto alcanzó una gran fama por su perspicacia y su capacidad para la escultura, así que fue requerido por la Corte Imperial y la aristocracia para inmortalizar en piedra a los más poderosos de la sociedad. Y allí que se fue, a Viena, a ganar todavía más fama. Franz lo tenía todo: con una reputación ganada a velocidad de la luz, su éxito le permitía vivir del arte y se codeaba con la crème de la crème. Los poderosos lo protegían y lo mantenían, la gente se pegaba por sus obras. ¡Ay, Franz! ¡Hay quien nace con estrella!

Pero la felicidad no le duró mucho. Empezó a volverse hosco, huraño. Rehuía a la gente, montaba escenitas con los nobles, se encontraba nervioso y apurado con frecuencia… así que se volvió a la capital austriaca para ser profesor asistente en la escuela de Bellas Artes, dejando a la Corte con un buen palmo de narices. Pero de allí también lo echaron: y es que Franz Xaver Messerschmidt, el gran escultor del momento, la gran promesa de su época, se estaba volviendo loco. En una carta a la emperatriz María Teresa de Austria se puede leer que, aunque la universidad elogiaba la capacidad de Franz, se temían que éste podría tener “confusión en la cabeza” (olé por el diagnóstico). Y eso no era bueno para la imagen de una facultad.

Para agravar más la situación, se interesó por cuestiones ocultistas y empezó a frecuentar los círculos esotéricos de Viena. Franz comenzó a sufrir alucinaciones y paranoias cada vez más frecuentes y agresivas. Se encerró en una cabaña para trabajar día y noche, sin querer saber nada de nadie. Pero lo peor es que el escultor estaba aterrorizado por sus visiones, pues creía fervientemente que demonios y espíritus se colaban en su casa para atacarle durante la noche. Los pocos visitantes que tenía salían asombrados al escuchar los relatos de espectros. monstruos y diablos que le pellizcaban mientras dormía, que lo atormentaban cuando se despertaba, que se escondían por la casa para asustarlo durante el día.

Así, dicen, comenzó su irrefrenable obsesión, casi desesperada, por librarse de los demonios. Algunos estudiosos consideran que su colección de bustos grotescos fueron una idea para espantar a los espectros y echarlos de su casa, mientras que otros dicen que buscaba encontrar las 69 expresiones primitivas del ser humano. Aunque las talló en bronce, mármol y alabastro, hoy en día solamente se conservan 49 de estas figuras. Para crear estas esculturas se tomaba a sí mismo como modelo frente al espejo, se pellizcaba y gesticulaba para forzar su rostro a revelar esas proporciones olvidadas que daban forma al mundo, según él.

Sea como fuere, hoy en día se le relaciona con William Blake y Francisco de Goya, por su exploración del lado oscuro del alma humana.Y, aunque tuviera desórdenes mentales, sin duda fue un auténtico genio. Actualmente se ha reconocido a Messerschmidt como uno de los más grandes maestros de la escultura, compensando un poco lo injusto que fue el mundo del arte con él cuando todavía vivía.

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Gracias a Juan Alberto por haber inspirado este post con sus comentarios. Él me descubrió este escultor y fue quien me animó a escribir sobre él, así que el crédito es suyo 🙂

Riendo en la cara de la muerte: las ‘calacas’ de Posada

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¿Sabéis lo que es esto? Es un recuerdo que me traje de México, esa tierra fascinante de color, paisajes y gente maravillosa. Riviera Maya fue el destino que elegimos mis amigas y yo para realizar nuestro viaje de fin de estudios de la universidad, y tras muchos meses de ahorrar logramos reunir todo el dinero para cruzar volando el océano. Uno de los días fuimos a Chichén Itzá, donde además de las impresionantes pirámides había muchos puestecitos de regalos –en los que me desplumaron todo lo que quisieron porque regatear se me da fatal-. Una mujer tenía un puesto donde podías encontrar calaveritas pintadas con preciosos diseños, y yo elegí esta.

calaverita

La cultura mexicana tiene una visión de la vida muy relacionada con la muerte, pero de una forma muy alejada a la española. Y eso repercute en su festividad del Día de los Muertos, fecha en la que se recuerda a los que se han ido con una gran fiesta llena de alegría, color y humor.  Es el día en el que los muertos regresan del más allá, para convivir 24 horas con los vivos, y por ello no hay que estar triste sino contento por su compañía.  Es el día en el que los Mexicanos se ríen de la muerte y la caricaturizan. ¡Esto es lo que tendríamos que celebrar en España, y no una fecha dedicada a llorar que sólo da disgustos!

Uno de los caricaturistas de la muerte que ha hecho popular esta fiesta fue el dibujante José Guadalupe Posada, al que hoy dedico esta entrada.

José Guadalupe Posada

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Calavera de La Adelita (soldadera). Se conoce como adelitas o ‘soldaderas’ a las mujeres que participaron en la Revolución mexicana

“La muerte es democrática, ya que a fin de cuentas, güera, morena, rica o pobre, toda la gente acaba siendo calavera”. 

J.G.Posada

La obra artística de Posada permite apreciar su gran ingenio y creatividad, pues los derrocha en cada trazo. José Guadalupe Posada  (1852-1913) fue un magnífico dibujante y grabador que definió el futuro del arte mexicano retratando la vida en el país durante la Revolución con un corrosivo humor ácido. Entre hambrunas, epidemias y luchas por el poder, este artista logró plasmar su particular visión de México. Un México en el que, tristemente, lo cotidiano y la muerte estaban demasiado cerca.

Desde pequeño, Posada se dedicaba a dibujar y lo hacía con tanta pasión que finalmente convenció a su padre de que le dejara dedicarse al arte. Y lo que mejor se le daba era hacer caricaturas. De este modo, se introdujo en el mundo del periodismo y de la prensa como dibujante, y logró publicar sus primeras viñetas cuando cumplió los 19 años.

Pero su familia seguía mirando con malos ojos su vida bohemia y despreocupada de artista, así que se empeñaron en conseguirle un trabajo formal y serio con el que pudiera ganar dinero o conseguir una buena esposa, y se dejara de pintar monigotes. Ya sabemos cómo son los padres. Así pues, José se hizo maestro en la Escuela Preparatoria de León (Guanajuato), donde pasó 5 años dando clase… pero sin dejar de lado lo que le gustaba, ilustrar y grabar imágenes, para la desazón de sus progenitores. Sin embargo, la tranquilidad no duró demasiado: graves inundaciones asolaron León en 1888 y lo obligaron a dejar atrás su vida anterior.

La suerte le sonrió, sin embargo. Cuando a los 35 años llegó a Ciudad de México, abrió su propio taller y le empezaron a llover ofertas de trabajo de diferentes empresas y editoriales, así que estuvo bastante ocupado. Igual ilustraba una corrida de toros que retrataba un crimen, o trataba hechos políticos, accidentes y hasta pronósticos del fin del mundo. Su nombre cobró una fama inesperada y su cotización se disparó, alcanzando cimas que pocos meses antes le habrían parecido inimaginables. Así que tuvo tiempo de experimentar con otras técnicas y crear las suyas propias.posada12

Las ideas progresistas de Posada lo llevaron a sendas cada vez más críticas: bocetos satíricos que elaboraban una crónica de la vida mexicana de la época o ponían de relieve el sufrimiento de su pueblo bajo el yugo de los grandes terratenientes, que corrompían la vida política. Y por eso José Guadalupe Posada no caía bien a los poderosos, que lo metieron en la cárcel en más de una ocasión para intentar acallar su voz -o su mano creadora-. Durante su vida hizo más de 20.000 grabados, y podría clasificarse como expresionista, puesto que recrea con extraordinaria imaginación, gran sentido humorístico y profunda capacidad crítica las lacras, miserias y prejuicios de la realidad social y política de su época.

Su obra

Su obra abarca múltiples temas, entre los que cabría destacar las célebres “calaveras” o imágenes de ultratumba. Y la más célebre de estas imágenes no es ni más ni menos que ‘La Catrina‘, originalmente llamada La Calavera Garbancera. Y es una genial historia, puesto que  «Garbancera» es la palabra con la que se conocía entonces a las personas que teniendo sangre indígena fingían ser europeos para darse aires… porque en aquél entonces, ser europeo era lo más cool y lo más pijo que había. Te lo juro por la hierba que se come el caballo de Polo Ralph Lauren. Originalmente Posada creó este esqueleto, adornado con un sombrero con plumas, para satirizar las pretensiones de las mujeres de la clase alta mexicana.

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“en los huesos pero con sombrero francés con plumas de avestruz”, decía Posada. La idea era burlarse de los “muertos de hambre” que se las quieren dar de ricos. El dibujo original nos muestra un esqueleto sin vestido, porque no puede permitírselo, pero con un glamuroso sombrero con plumas. Esta gente despreciaba México, sus costumbres y su cultura al tiempo que imitaba costumbres europeas.

No se hizo famosa instantáneamente, sino que no lo fue hasta que el mujeriego DIEGO DE RIVERA (marido/amante de Frida Kahlo, cuya preciosa historia contamos en esta entrada) la bautizó como ‘La Catrina’ en su obra ‘Sueño de una tarde dominical en la alameda central‘:

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Aquí la tenemos, acompañando del brazo a su creador original, José Guadalupe Posada, y ataviada con su bonito sombrero de plumas… pero eso sí: hoy va vestida.

lacatrina A partir de esta representación, La Catrina tomó fuerza como personaje para el Día de Muertos que se celebra en todo el país y a la cual se le hace relación directa con la burla y la sátira, en donde el mexicano se distingue del folclore por su fiesta y juego hacia el personaje que remite a la muerte, pero también al misticismo.

Como un último apunte sobre Posada, hay que decir que basó su idea de retratar la sociedad como esqueletos vivientes tanto en la cultura milenaria mexicana como en  un género artístico del medievo que llevaron los españoles a México: La Danza Macabra. El tema de estas obras era que la muerte era universal y llegaba para todos sin importar la clase social, la edad o la riqueza. 

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Artistas influidos por José Guadalupe Posada:

  • La iconografía creada por Posada puede verse hasta en el cine. Una pequeña muestra es este precioso corto de animación:

  • Una artista de hoy en día que ha alcanzado gran fama internacional es Sylvia Ji (cuyo blog podéis visitar aquí).

Salvador Dalí: una vida surrealista

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Salvador Dalí se ha convertido en un icono, eso es innegable. Este artista español (Figueres, 1904 – Púbol, 1989) nació en una familia burguesa entristecida por la muerte de su anterior hijo, llamado Salvador. Y a los padres no se les ocurrió otra cosa mejor que ponerle el mismo nombre al nuevo niño. Como es normal, esto marcó mucho al artista posteriormente, quien llegó a tener una crisis de personalidad, al creer que él era la copia de su hermano muerto. Premio a los padres del año, sin duda. Cuando nuestro artista tenía cinco años, sus padres lo llevaron a visitar la tumba de su hermano y le dijeron que él era su reencarnación. En serio… ¿por qué nadie les quitó el carnet de padres a estos señores?

“A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí” Salvador Dalí

-Infancia y adolescencia

A los 12 años, un Dalí preadolescente descubrió la pintura contemporánea y quedó fascinado. Con 14 participó en sus primeras exposiciones, recibió un premio de la Universidad y consiguió editar con unos amigos una revista mensual dedicada al arte. Yo también me hubiera crecido, no sé vosotros. Sin embargo su suerte dio un vuelco cuando Salvador cumple 16 años: su madre muere de cáncer de útero, y la hermana de ésta se casa con su padre poco después de enterrarla. Dramón de telenovela. Salvador Dalí y su pequeña hermana no aceptaron esta nueva situación, y seguramente ahí empezó a romperse la ‘idílica’ relación familiar.

“[la muerte de ella fue] el golpe más fuerte que he recibido en mi vida. La adoraba. No podía resignarme a la pérdida del ser con quien contaba para hacer invisibles las inevitables manchas de mi alma…” Salvador Dalí.

A los 18 años se marchó a Madrid para comenzar sus estudios de Bellas Artes y allí empezó a llamar la atención por su carácter excéntrico: larga melena con patillas, gabardina, medias y polainas al estilo de los artistas victorianos. Un sex symbol, vamos. Empezó a tantear el cubismo y el dadaísmo, influencia que lo marcó de por vida. En la residencia también trabó una apasionada relación con el joven Lorca, pero Dalí terminó rechazando los amorosos reclamos del poeta. La historia de su temporada universitaria acaba con la expulsión antes de sus exámenes finales, cuando no se le ocurre otra cosa que ponerse a gritar que allí no había ningún profesor que estuviera a la altura de corregir sus obras.

Salvador Dalí - Sueño causado por el vuelo de una abeja

Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada segundos antes de despertar

Así que se fue a visitar París, con la suerte de que allí conoció a Pablo Picasso. En aquella época, Dalí se dejó crecer su típico mostacho que imitaba al de Velázquez, y que se convertiría en uno de sus distintivos personales el resto de su vida.

– Llegando a la segunda Guerra Mundial

Desde 1929, Dalí estuvo en contacto con el director de cine Buñuel, con Picasso, Joan Miró…  y conoció a su musa y futura esposa, Gala. Ella era una inmigrante rusa que tenía 11 años más que él. Se introdujo de lleno en el surrealismo, creando el método paranoico-crítico el cual, según se decía, ayudaba a acceder al subconsciente.

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“Mercado de esclavos con busto invisible de Voltaire”

En cuanto a su vida personal… bueno, la relación con su padre estaba casi rota. Su progenitor condenaba que Salvador estuviera enamorado de Gala, consideraba que los artistas con los que se relacionaba eran unos degenerados… cosas típicas. La tensión fue en aumento hasta que se produjo un enfrentamiento donde llegaron a las manos: Dalí había publicado en prensa un dibujo de un Sagrado Corazón donde se leía: “En ocasiones, escupo en el retrato de mi madre para entretenerme”. Ultrajado, su padre lo desheredó, lo echó violentamente de casa y le prohibió volver a pisar el pueblo. Salvador Dalí describió cómo en el curso de este episodio le presentó a su padre un preservativo usado conteniendo su propio esperma, con las palabras: «Toma. ¡Ya no te debo nada!». Hale, para que luego digan. Acto seguido se casó con Gala por lo civil.

En 1931, con 27 años, Dalí pintó uno de sus cuadros más famosos: La persistencia de la memoria

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La persistencia de la memoria: Cada uno de los relojes marca una hora diferente, insinuando la relatividad del concepto ‘tiempo’. Hay una roca sobre la que descansa uno de ellos que, además, parece tener cara. Es un autorretrato del propio Dalí, sobre una roca real de Creus. El aspecto blando hace que parezca que se funde, recuerda la propia mortalidad. Sobre otro reloj hay una mosca que recuerda a la muerte y a la frase ‘El tiempo vuela’… ¿sabéis que Dalí se ponía azúcar de dátiles para atraerlas, y pintaba con el zumbido de las moscas dentro de su boca? En cuanto a las hormigas… Dalí descubrió horrorizado de niño que su murciélago estaba siendo devorado por un grupo de hormigas. Están pintadas como si las viéramos desde arriba, y nos recuerdan a la putrefacción y de nuevo a la muerte.

Pero hay otra cosa que hizo Dalí, y eso fue no mojarse. Aunque la mayor parte del surrealismo se había adscrito a ideas políticas de izquierda, Dalí mantenía una posición ambigua en cuanto a activismo político. Los líderes del movimiento surrealista lo acusaron de defender lo irracional del fenómeno hitleriano, acusación que él intentó desmentir. Dalí insistía en que el surrealismo podía existir en un contexto apolítico, y se negó a denunciar públicamente el régimen fascista alemán. Éste y otros factores le hicieron perder su prestigio entre los artistas, y tras una especie de juicio surrealista fue expulsado del movimiento. A esto, Dalí respondió con su célebre réplica, «Yo soy el surrealismo». Y se marchó más chulo que un ocho a Nueva York. 

Allí se refugió de la II Guerra Mundial que había estallado en Europa y lo arrasaba todo, Dalí volvió al catolicismo y se dedicó a escribir y realizar ilustraciones para diferentes libros. Además, se sometió a un exorcismo y abandonó un poco el arte para centrarse en diseñar objetos comerciales con los que ganar más dinerillo.  ¿Sabéis que pensaba hacer una película con Walt Disney? Este dato es poco conocido, y finalmente no se llevó a cabo por la falta de financiación. Aquí tenéis una idea de cómo iba a ser, rescatada por el sobrino de Walt en 1999.

El corto cuenta la historia de Chronos, la personificación del tiempo, al que le era imposible sentir amor por un mortal por mucho que lo deseara. El argumento de la película fue descrito por Dalí como “una mágica visión sobre el problema de la vida en el laberinto del tiempo”.

– Volviendo a España

Con la dictadura de Franco Dalí decidió volver a España… lo que a los artistas y pensadores no les hizo ninguna gracia y volvió a ser blanco de críticas por fascista y oportunista. Estamos ya en el final de su carrera. Dalí volvió al arte en esta época, desarrollando nuevos procesos y medios experimentales. Se interesó por la ciencia y las matemáticas, por crear  temas en sus pinturas y por hacer retratos en cuernos de rinoceronte (Un poco loco sí estaba, sí… además de que con estas extravagancias no hizo ningún bien a una de las especies animales más dañados por la caza furtiva).

 [Según el artista, el cuerno de rinoceronte significaba la geometría divina, y aquí lo vemos hablando de estos seres en la película Medianoche en París, de Woody Allen]

Durante la posguerra abundan en sus obras las ilusiones ópticas, así como el imaginario de la ciencia y la religión. Se obsesionó un poco por las bombas nucleares y sintetizó la iconografía cristiana con la era nuclear creando imágenes en descomposición relacionadas con la física nuclear, como en Crucifixión o El Torero Alucinógeno.

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Torero alucinógeno” En este cuadro Dalí esta representado como el niño en el desierto. Otra imagen de España es el toro que está muriendo. Gala está mirando todo que está pasando en el cuadro. También, hay un perro cerca de un lago que es la sangre del toro. El toreador está arriba y es parte de la Venus de Milo.

Experimentó con el teatro, los anuncios televisivos, diseños de logotipos para empresas (¡el de Chupa Chups es suyo!), campañas publicitarias… ay, poderoso caballero es Don Dinero.

 Afectado por el Párkinson a causa de un cóctel de fármacos que dañó su sistema nervioso, Dalí fue perdiendo el control de sus manos. Y con la muerte de su esposa perdió las ganas de vivir. Parece ser que intentó suicidarse un par de veces, pero siempre lo salvaban unos u otros. Finalmente murió a causa de una parada cardiorrespiratoria en Figueras, con 84 años, oyendo su disco favorito.

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Bueno… como último apunte… Se ha denunciado que Dalí fue obligado por algunos de sus «cuidadores» a firmar lienzos en blanco que serían vendidos tras su muerte como originales, tras ser pintados por imitadores. Estos rumores más que fundados hicieron que el mercado del arte se mostrase escéptico con las obras atribuidas a Dalí durante su última época. No se puede uno fiar de nadie…

Caza de brujas: entre el pánico y la fascinación

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El siglo XVII es el periodo de las grandes “cazas de brujas” en Europa. Avivados por una cultura machista en la que la mujer  se creía moralmente inferior y naturalmente inclinada a los pecados más nefandos, por el gusto del pueblo a ver juicios y ejecuciones en directo (el antiguo Gran Hermano), los ciudadanos entraron en una espiral de sospechas y acusaciones en las que cualquier malentendido o excentricidad acababa fácilmente en ‘barbacoa’.

Decenas de miles de mujeres y niños murieron quemados en la hoguera tras ser juzgados públicamente, en una sociedad donde el poder judicial y el religioso estaban profundamente ligados. La gente enloquecía de pánico si en el pueblo aparecía uno de esos grimorios prohibidos, libros sobre hechicería o gallos decapitados.  La bruja dejó de ser aquella señora que conocía las hierbas con las que crear ungüentos, pócimas y cataplasmas sanadoras -o no- para los campesinos, y tampoco era aquella a la que el pueblo llano (y no tan llano, pues los que ostentaban el poder hacían lo mismo) acudía para que le leyera la buena fortuna o bendijese sus campos. No. Empezó a configurarse una nueva imagen de la bruja, que tiene su principal origen en la asociación de la brujería con el culto al Diablo… o a dioses extraños al cristianismo, que venía a ser lo mismo.

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El aquelarre de brujas, Frans Francken

El caso es que fueron años de sospecha y conmoción, de terror porque la hija de tu vecina hubiera sido vista en el bosque a altas horas de la noche o simplemente supiera leer. A los artistas les pasó también. En aquella época lo más normal era pintar cuadros religiosos, incluso relacionados con los mitos. Pero he aquí que las cazas de brujas sirvieron para alimentar los lienzos con extraños personajes, escenas siniestras que se desarrollaban en ambientes de misterio y oscuridad. Y un puntito de fascinación, como siente cualquier ser humano ante lo prohibido y peligroso. 

Uno de los artistas brujeriles más conocidos es Frans Francken el Joven, que procedía de una familia de pintores de renombre. Sin embargo, él fue mucho más conocido que sus predecesores y hermanos por atreverse con temas nuevos que todavía no se plasmaban en las pinturas. Uno de ellos fue el de las brujas que aterrorizaban a Europa. En ellas podemos ver toda la iconografía tradicional de las hechiceras: calderos, cráneos, murciélagos, fuegos demoníacos, súcubos, demonios con elementos de cabra, almas en pena… 

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Asamblea de brujas (Hexensabbat) – Frans Fracken el Joven

Otros artistas han pasado a la posteridad por creerse hechizados con el mal de ojo. ¡Ay, qué buenas excusas se ponían entonces! Un ejemplo típico es Guido Reni, pintor renacentista italiano, que se creía víctima de hechiceras malintencionadas que lo gafaban. Era como un hipocondríaco de lo supernatural. Además de una intensa misoginia y nefasta adicción al juego, Guido Reni vivía obsesionado con las supersticiones que lo atemorizaban hasta la médula. 

En su biografía se cuenta que Reni estaba continuamente temiendo ser envenenado por bebedizos preparados por alguna bruja, razón por la cual jamás dejaba entrar a mujer alguna en su vivienda. Jamás comía nada que no hubiera cocinado él mismo, de modo que si algún cliente o admirador le ofrecía algún manjar lo escondía disimuladamente y lo dejaba pudrir por miedo a que estuviera sazonado con pócimas o venenos. En particular tenía pánico a las viejas, y huía de ellas cada vez que se las cruzaba en la calle o el mercado. 

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La masacre de los inocentes – Guido Reni (detalle)

Lo más divertido es que Guido Reni atribuía cualquier episodio singular o ligeramente “fuera de lo normal” a la acción de sus temidas seguidoras del Maligno. Así, cuando en cierta ocasión perdió en casa una de sus zapatillas, lo atribuyó a la acción de las brujas, y lo mismo ocurrió cuando una vez apareció la camisa de una mujer entre su ropa. Y ni os digo cuando perdía la inspiración: 

“… me preguntó si alguien podría hechizar las manos de una persona de modo que ya no pudiera manejar el pincel y trabajara mal forzosamente(…) Sabedor de sus pensamientos, le dije francamente que no (…) Contestó que en Roma un francés le había enseñado un sortilegio mediante el cual se podría, al tocarle a uno la mano de un modo amistoso, comunicarle en poco tiempo una enfermedad incurable de la cual moriría infaliblemente”.

Obviamente, Guido Reni murió virgen. 

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El Aquelarre, de Francisco Goya. El cuadro queda dominado por la figura de un gran macho cabrío, que bajo la luz de la luna avanza sus patas delanteras para recibir de dos brujas la ofrenda de niños que tanto le agradan… Ello evoca la descripción de cómo dos hermanas, María Presona y María Joanato, mataron a sus hijos “por dar contento al demonio” que recibió “agradecido” el ofrecimiento… También vemos a media docena de niños, varios de ellos ya chupados, esqueléticos y a otros colgados de un palo

También en el arte de Goya la brujería tuvo un importante papel. En la imagen de arriba aparece analizado El Aquelarre, que es terrorífico cuando se conoce su significado. Aunque curiosamente con estas pinturas pretendía burlarse de las supersticiones y actos de quienes creían en estas cosas, sus cuadros dan pavor en lugar de risa. Así retrataba Goya una sociedad española cruel, dada a los crímenes, crédula e ignorante hasta la médula, supersticiosa y violenta. Influido por el caso de las Brujas de Zugarramurdi, donde se quemaron vivas seis personas para alegría de los más sádicos, y el caso de Logroño, el artista se atrevió incluso a criticar a la Iglesia Católica por su barbarie… razón por la cual fue denunciado a la Inquisición y sus obras que tenían la mínima relación con obispos o frailes fueron retiradas. 

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El aquelarre, GOYA

Sin embargo, en el tiempo también han existido aquellos artistas más fascinados que asustados por aquellas mujeres que sabían manejar lo sobrenatural. Uno de los mejores ejemplos es el prerrafaelita John William Waterhouse. Bebía de los mitos e historias clásicas para crear hermosísimas hechiceras. Poderosas, jóvenes, sabias y bellas, así es como veía a las brujas, alejado de la clásica imagen de vejez y fealdad. Con libros de magia, pociones o bestias fantásticas, las hechiceras se convertían en sex symbols de la época. 

The magic circle, by John William Waterhouse

El círculo mágico – John William Waterhouse

Por si tenéis ganas de más, aquí os dejo una galería con imágenes sobre la representación de este tema a lo largo de la Historia. 

Giuseppe Arcimboldo: de lo que se come, se cría

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El otro día me dio por buscar en la biblioteca de mi universidad algunos libros que me sirvieran de inspiración para crear nuevas entradas, pues aunque tengo pensadas algunas que me parecen interesantes (sobre Gauguin, del que hablamos aquí, pero también de Klimt o algún despiece de cuadros de locos) no quiero desvelarlas todavía. El caso es que me puse a mirar libros y libros hasta dar con un tema que me interesara o me resultara suficientemente anecdótico como para dedicarle unas palabritas. Y para mi sorpresa, en uno de ellos aparecía esta imagen:

El jardinero

“El hortelano” o “El jardinero”… nos muestra los distintos alimentos que se han cosechado.

Confieso que en un primer momento pasé la página sin fijarme, y ya había llegado a la siguiente cuando mi cerebro dijo: “eeeh, un momento“. A mi no suelen llamarme mucho la atención los bodegones, pero hubo algo raro al pasar la vista sobre este cuadro que hizo que el sentido arácnido se me disparase. No sabía exactamente qué era… si el rábano, o las setas, o la cebolla, pero algo había ahí que me olía a chamusquina. Supongo que los más sagaces ya lo habréis captado.

Esta obra de óleo sobre tabla es de un tipo italiano que se llamaba Giuseppe Arcimboldo (pobre) que vivió en el siglo XVI y cayó en el olvido durante mucho, mucho tiempo, hasta que fue “redescubierto” nada más y nada menos que por Salvador Dalí. Algo bueno tenía que tener el hombre para que Dalí se fijase en él, digo yo. Pues sí. Arcimboldo (pobre) era famoso por sus retratos. ¿Sus retratos? ¿Pero no estábamos hablando de un bodegón o algo así? … ¡Ah, amiga! Que ya lo veo todo claro, que este tío nos la quería colar. Y es que, si le damos la vuelta a su pintura en 180º, quedaría así…

El jardinero (1)

¿Soy o no soy un buen mozo digno de casar?

Arcimboldo fue un genio de la originalidad, cuyas grotescas composiciones alegóricas son consideradas como las primeras obras surrealistas -conocidas- de la Historia, y además propició la llegada de nuevos estilos de pintura en el lejano S.XX. Él inventó un estilo de retrato manierista en el que los rostros humanos estaban compuestos por agrupaciones representativas de animales, flores, frutas y toda clase de objetos, que tenían (la mayor parte de las veces) una relación específica con el retratado… ¡tanto para bien como para mal! Por ejemplo, no me digáis que aquí quería unir al personaje con unos valores morales impolutos:

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He aquí que la frase hecha “de lo que se come, se cría” alcanza su máxima expresión. Este tío, como Arcimboldo atestiguó, era un maldito cerdo y debía pasar a la Historia como tal.

Arcimboldo usaba su estilo para crear retratos satíricos de personajes reconocidos, de aristócratas y cortesanos, así como ensalzar a otros asociándolos con objetos que son “bien vistos” o transmiten sensaciones positivas. En cuanto a su vida, destaca que fuera empleado por el emperador alemán Fernando I como retratista real. Además de pintar a la familia imperial, también se encargaba de planificar las fiestas y espectáculos de alto copete para la corte, realizar ingenios mecánicos y asesorar al gobernante en sus colecciones e inventos. Era un hombre multitarea y, además, debía de ser la monda. Aún así, sus piezas no lograron demasiado éxito, y la crítica las consideraba graciosas o simplemente “populares”, o incluso llegó a despertar odios hacia su pintura porque los más refinados la consideraban de mal gusto, obscena e impertinente… hasta que llegaron los surrealistas y le dieron un merecido reconocimiento por su ingenio y su juego visual.

Este pintor permanecía fiel a la visión filosófica y artística de su tiempo. Por ejemplo, uno de los procedimientos del poeta Cyrano de Bergerac consiste en tomar una metáfora del lenguaje, lo más trivial posible, y explotar sus posibilidades hasta el infinito en un sentido literal. Por ejemplo, si se dice “morir de pena”, Cyrano crea una historia en la que un condenado a muerte es obligado por los verdugos a escuchar música tan triste que se acaba muriendo de pena por su propia muerte. Podemos decir que Arcimboldo hace lo mismo: si una persona compara unas “mejillas rojas” con “como un tomate”, él pintaría dos tomates en lugar de dos mejillas. Y si dicen que tenía una nariz como una patata, pues una patata que pone en el lienzo. La metáfora gira sobre sí misma hasta crear una imagen surrealista a la par que divertida.

Esta idea ha dejado curiosas obras artísticas o no. Ahora mismo se me ocurre un par… No he conseguido encontrar el anuncio de Frenadol, pero me acuerdo que de pequeña me horrorizaba, porque según nombraba al protagonista se le iban convirtiendo las partes del cuerpo en lo que le nombraban: “¿sientes los ojos como dos tomates? ¿La nariz como un pimiento? ¿Y la cabeza a punto de explotar?” PUM!!! y explotaba la cabeza como un globo. Yo tenía pesadillas con ese anuncio, confieso. Una vez soñé que le pasaba a mi madre y que me perseguía su cuerpo descabezado por toda la casa. Un drama.

Otra imagen es el alien-berenjena, qué simpático.

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Pues eso, desde aquí os invito a que os metáis en la cocina y hagáis alguna especie de collage con los restos de la ensalada. Que seguro que queda resultón.

GALERÍA DE IMÁGENES

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“El profesor de Derecho”

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Aire

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Fuego

Arcimboldo - (8)

Agua

Giuseppe Arcimboldo - Earth

Tierra

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Las cuatro estaciones

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Alegoría del Verano

Alegoría de la Primavera

Alegoría de la Primavera

Flora

Flora